I- LES POINTS DE DIVERGENCES
Beaucoup de critiques ont vu dans
l'immatérialité de l'image, sur l'écran de cinéma,
ce qui constitue l'originalité la plus profonde du septième art.
En effet, on insiste souvent sur « l'illusion
théâtrale ». Mais rien n'est aussi illusoire qu'une
image en deux dimensions projetée sur une toile blanche. L'image
cinématographique est une « présence
absente » ; tout y est illusoire : le relief, la profondeur
de l'espace, la matérialité des objets et des personnages.
Le film est une succession d'images qui nous donne, pendant le
temps de sa projection, une illusion de réalité : exactement
comme les rêves. Cette parenté entre l'image de cinéma et
l'image onirique a été soulignée entre autres par le
critique Christian Metz, dans son livre le Signifiant imaginaire, ou il
développe cette parenté aux autres arts, une écriture de
l'imaginaire et du subconscient. Le Cinéma, art de l'absence, et
théâtre, art de la présence : tout semble des
éléments visuels et sonores qui forment la totalité du
spectacle théâtrale. On constate que ces éléments
existent aussi au cinéma : texte, déclamation, bruitage,
musique, costumes, décor, gestes, expressions corporelles et faciales.
Mais, comme le dit le philosophe Alain dans vingt leçons sur les
beaux-arts, « ce qui manque c'est l'épreuve de la
présence ». il ne peut y avoir cette communion entre acteurs
et spectateurs, comme au théâtre. Sur la scène, il y a
simultanéité de la création (le jeu des acteurs) et de la
communication (le public regardant le jeu des acteurs).
Au cinéma, il y a au contraire un grand décalage
entre la création(le tournage des scènes) et la communication (la
projection devant un public). Ce n'est pas seulement un décalage dans le
temps, mais aussi un décalage esthétique. Un film n'est
tourné en une seule fois. Il se crée par fragments, prise de vue
après prise de vue. Puis vient une opération essentielle :
le montage, c'est-à-dire l'assemblage, bout à bout, de ces
scènes filmées. Ce que le public voit sur l'écran est le
produit achevé : au cours du montage, certaines scènes
auront été déplacées, raccourcies, voire
supprimées.
La puissance qui se dégage de la présence
physique, sur scène des acteurs et du décor, permet de comprendre
pourquoi les auteurs dramatiques n'avaient pas le droit, à
l'époque classique, de montrer sur scène des actes de violence.
Ce qui nous impressionne moyennement sur un écran de cinéma est
beaucoup plus « réel » sur une scène, et peut
dépasser les limites de l'acceptable. De même, sans excès
de pruderie, un public qui accepte volontiers de voir à l'écran
des scènes relativement érotiques, serait choqué de voir
ces mêmes scènes au théâtre, avec des acteurs
vivants. Cette notion de présence vivante est donc capitale pour
distinguer théâtre et cinéma. En Angleterre, on appelle une
salle de théâtre living théâtre
« théâtre vivant » alors qu'une salle de
cinéma se dit Picture palace
« littéralement : un palis d'image ». Le public
ne voit jamais l'acteur de cinéma, mais son image, on serait
tenté de dire : son fantôme, qui s'agite sur l'écran.
Le métier d'acteur de cinéma est donc, d'un certain point de vue,
moins risqué, puisqu'une mauvaise scène peut être
répétée autant de fois qu'il est nécessaire, dans
la mesure où le permet le budget du film. Le public, contrairement
à ce qui peut se passer au théâtre, ne verra pas les
ratages. En revanche, le jeu de l'acteur, au cinéma, comporte souvent
davantage de risques physiques, en particulier dans les films d'actions, ou des
scènes violentes et spectaculaires seraient bien sur injouables sur une
scène de théâtre. S'il existe des doublures et des
« cascadeurs » professionnels qui peuvent remplacer
l'acteur dans ce genre de scènes, certains comédiens refusent
d'être doublés, et assument ainsi tous les risques.
1-la dramaturgie
Selon les « termes clés de l'analyse du
théâtre » d'Anne Ubersfeld édition du seuil,
février 1996. Le mot dramaturgie désigne le travail des oeuvres
théâtrales : sens sorti de l'usage. Actuellement il est un de
ces termes de la théatrologie qui possèdent trois
acceptions :
- La dramaturgie est l'étude de la construction du
texte de théâtre : ainsi, la dramaturgie classique en France,
de J.Schérer, est l'étude de l'écriture et de la
poétique du théâtre classique.
- Elle désigne l'étude de l'écriture et
de la poétique de la représentation.
- Elle est l'activité du dramaturge au sens allemand ou
post-brechtien. en ce sens, la dramaturgie est l'étude concrète
des rapports du texte et de la représentation avec l'histoire, d'un
coté, et avec l'idéologie « actuelle » de
l'autre. La dramaturgie est alors l'étude non seulement du texte et de
la représentation, mais du rapport entre la représentation et le
public qui doit la recevoir et la comprendre : elle implique donc non pas
deux éléments, mais trois.
2-le scénario
Le scénario, ce terme à dérivation
latine « scaenarius » « qui appartient
à la scène ». Indique la continuité narrative
d'un évènement filmique divisé en de multiples segment
descriptif définit comme scène. Ces parties unitaires qui se
suivent en ordre progressifs dans l'exposition sont bien distingue l'une de
l'autre avec des lieux et des conditions d'éclairages tout facteur
nécessaire pour établir le caractère de l'action. Et ils
se définissent comme suit :
2-1 synopsis :
Court résumé de l'histoire, document que l'on
doit pouvoir « parcourir d'un coup d'oeil ». Il peut aller
de dix lignes à plusieurs pages. L'histoire y est racontée dans
l'ordre chronologique, sans dialogues, en mettant en évidence les lignes
de force et le fonctionnement de l'ensemble. Le synopsis est d'abord un
document de travail qui permet de présenter le projet à
différents intervenants : producteurs, réalisateur, etc.
2-1-1sujet :
Court résumé donnant une idée de la
trame narrative du film.
2-1-2 outline :
Résumé de scénario constitué de
quelques pages ou est exposé le déroulement de l'action,
scène par scène. La longueur varie entre six et douze pages.
2-1-3 step outline :
Succession numérotée des scènes, une
phrase résumant pour chacune l'action qui s'y déroule.
2-1-4 traitement :
Synopsis développé. Variant de dix à
cinquante pages il décrit de manière détaillée les
actions du film avec les articulations de l'intrigue, sa progression, la
structure dramatique, une esquisse de dialogues.
2-1-5 séquencier :
Scénario qui ne contient toujours pas de dialogues. La
structure est établie. Les séquences sont définies et
numérotées dans leur ordre définitif, mais ne sont que
résumées en quelques phrases.
2-1-6 continuités
dialoguées :
Aboutissement du travail du scénariste ;
scénario complet (sans toutes fois les prescriptions techniques de mise
en scène), présentant tous les éléments du
film : découpage de l'histoire en scènes et
séquences, description des actions, présentation précise
et complète des personnages (traits, caractères, motivations,
costumes, gestes familier). Texte complet des dialogues, accessoires et
éléments sonores essentiels. C'est le document autour duquel
s'organise le financement du film. Il respecte une présentation qui
distingue les éléments sonores. La description de chaque
scène est précédée d'un intitulé qui
indique :
a) la situation de la scène en intérieur ou
extérieur (INTERIEUR - EXTERIEUR)
b) la présentation du décor (INTERIEUR. CHAMBRE
OU EXTERIEUR BOULEVARD)
c) le moment ou se situe l'action (JOUR. NUIT. MATIN. SOIR.)
3-les spécificités du
scénario
Le scénario et la pièce de théâtre ont
des ressemblances. Mais la pièce de théâtre est un texte
qui a un caractère transitoire, qui écrit en vue d'une mise en
scène et qui contient en germe une infinité de mises en
scène possibles. L'écriture scénarisée ne contient
pas des indications techniques mais des didascalies qui les actions des
personnages, leurs mouvements et déplacements et qui suggèrent
les plans que l'on verra à l'écran. Les composantes fondamentales
d'un scénario sont au nombre de cinq : personnages, objectif,
conflit, dialogue, structure. On retrouve les règles classiques de la
dramaturgie : un personnage met tout en oeuvre pour atteindre un objectif,
un but, en dépit des nombreux obstacles qui se présentent sur son
chemin. Qui dit obstacle dit conflit et actions pour résoudre le
conflit. Les scenarios sont souvent organisés selon une structure en
trois actes qui soutient la progression de l'intrigue. Dans l'exposition ou
premier acte on présente rapidement le protagoniste, l'univers dans
lequel il vit, la situation dans laquelle il se retrouve au moment ou
débute le film. Il s'agit de rendre clair pour le spectateur l'objectif
du héros (sa nature, les raisons qui le poussent, celles qui
l'empêchent de l'atteindre).
Dans le second acte ou développement, qui
représente la majeure partie du scénario, le héros cherche
à atteindre son objectif du héros (sa nature, les raisons qui le
poussent, celles qui l'empêchent de l'atteindre). Dans le second acte ou
développement, qui représente la majeure partie du
scénario, les héros cherchent à atteindre son objectif. On
va crescendo vers un climax : ce point de plus haute tension dramatique a
pour but de provoquer une forte participation émotionnelle de
spectateurs. Avec le dénouement ou troisième acte,
consacré à la résolution des conflits, on sait alors s'il
le personnage a ou non atteint son objectif (réponse dramatique). On
montre les résultats, les conséquences de l'histoire. C'est la
partie la plus brève du scénario. Chaque acte se décompose
lui-même en séquences, qui se décomposent à leur
tour en scènes. Il faut respecter un rythme en alternant temps forts et
temps faibles : « il me semble que le rythme est d'abord
à l'écriture, que la construction du scénario est une
construction qui a à voir avec le rythme ».
C'est-à-dire forcément savoir ce qu'est le rythme commun, savoir
qu'est ce qui permet le rythme, ce qui marque l'alternance des temps forts et
des temps faibles, plus rapides, plus lent. Le scénario doit être
travaillé sur le rythme, d'une certaine façon, de la
précipitation des actions. Et dans l'attention qu'on porte à des
fragments d'action, aussi, sur la dilatation des évènements dans
la vie. Après le rythme est mis en scène entre la caméra
et les acteurs.
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